Nemo: Si Partie II – L’Homme Idéal

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Nemo
Si Partie II – L’Homme Idéal
 (Quadrafonic Quad)
2007
[progressive rock]
Prod
:
Site: http://www.nemo-world.com/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/prognemo
Eval: 4.5/5
Art(e):

Tracks

  1. Introduction À La Différence (5:36)
  2. Les Enfants Rois (2:45)
  3. Même Peau, Même Destin (9:02)
  4. L’homme Idéal (1) (4:36)
  5. Reflets (10:40)
  6. Décadanse (2:02)
  7. Une Question De Prix (6:34)
  8. Une Question De Temps (5:15)
  9. L’homme Idéal (2) (4:21)
  10. Les Visages Du Monde (5:42)

Músicos/Musicians

  • Guillaume Fontaine – teclados + voz
  • Lionel B. Guichard – bajo + voz
  • JB Itier – bateria + voz
  • JP Louveton – guitarras + voz solista

Reseña/Review

Quinto y último disco de estudio de esta banda de progresivo francesa. Tengo el gusto y privilegio de haber escuchado todos ellos y puedo dar fe que esta banda es un claro ejemplo de inspiración, dedicación y esfuerzo. Cada uno de los discos es mejor que el anterior. Para los tiempos de Si Partie I pensé que ya habían alcanzado el pináculo de sus habilidades y con gusto doy parte de que estaba equivocado.

Este último disco – conceptual por supuesto – sigue explorando líricamente el lado avaro de este género subvaluado nuestro que es el humano. Pero lo que nos trae aquí es la música y aquí hay en abundancia.

El sonido de la banda se ha ido depurando. En sus primeros discos la discrepancia entre los sonidos duros, casi metaleros y los sinfónicos eran demasiado excluyentes. Me explico: las canciones o pasajes que incorporaban estos tipos de arreglos no fluian con toda naturalidad. Había ademas “huecos”, por decirlo así, donde casi se podía escuchar un vacío que debía haber sido llenado por alguna nota. Eso era antes, ahora es otra historia.

Puestas las bases históricas, podemos decir que el sonido de Nemo en esta maqueta es completo, casi esférico, sin ninguna fisura. La música fluye, es suficientemente compleja para mantener el interés de los fans del progresivo, pero melódica para poder dejar rastro en la memoria inmediata, casi instintiva del escucha promedio. Los sonidos duros y suaves siguen ahí, pero ahora conviven sin dejar la sensación de que estuvieramos escuchando dos bandas diferentes. Sería injusto resaltar el trabajo de algun instrumento particular, pues creo que se ha hecho un trabajo consciente por parte de la banda en que se escuche un todo, sin embargo, voy a hacer énfasis en las vocales por el solo hecho de que siempre le doy valor extra a aquellas bandas que tienen las agallas de cantar en su lengua materna, al margen de perder un potencial mercado anglofílico.

Si he de quedarme con un solo track, sería Reflets, que engloba todo lo bueno que tiene esta banda. No le doy una calificación perfecta porque creo que la calidad de la grabación aún puede mejorar, pero en términos de ejecución-composición, Si Partie II y su antecesor (Si Partie I) son unas pequeñas obras maestras de nuestro tiempo.

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Fair To Midland: Fables From A Mayfly – What I Tell You Three Times Is True

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Fair To Midland
Fables From A Mayfly: What I Tell You Three Times Is True
(Universal Records/Serjical Strike)
2007
[prog nu metal]
Prod
: David Bottrill
Site: http://www.fairtomidland.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/fairtomidland
Eval: 4.5/5
Art(e): James Riches

Tracks

  1. Dance Of The Manatee (4:10)
  2. Kyla Cries Cologne (4:01)
  3. Vice/Versa (3:55)
  4. The Wife, The Kids, And The White Picket Fence (3:29)
  5. April Fools And Eggmen (4:45)
  6. A Seafarer’s Knot (4:11)
  7. A Wolf Descends Upon The Spanish Sahara (4:13)
  8. Walls Of Jericho (3:46)
  9. Tall Tales Taste Like Sour Grapes (4:02)
  10. Upgrade Brigade (5:16)
  11. Say When (7:15)

Músicos/Musicians

  • Brett Stowers – batería
  • Cliff Campbell – guitarra
  • Darroh Sudderth – voz
  • Jon Dicken – bajo
  • Matt Langley – teclados

con/with

  • Claudio Vena – violín + viola (8,9)

Reseña/Review

Fichados personalmente por Serj Tankian (System Of A Down) para su sello. Esta banda de Dallas se considera completamente ecléctica, lo que se comprueba a lo largo de este album donde algunos tracks se llenan más de la agresividad y los gruñidos de bandas que andan en el nü metal (y hasta thrash) y en otros se llena más de pinceladas progresivas y hasta pasajes dulces dentro de la estridencia organizada y bien ejecutada de esta banda . Narro lo que sucedió en la tercera escuchada (ahora sí a fondo), la definitiva para escribir esta reseña de un disco que es una pequeña joya:

Al inicio, imaginé -por la agresividad de las guitarras y la voz- otra banda más de nü metal, en un track muy en esa onda y que aparentemente fué el hit en su presentación en Coachella 2007, Dance Of The Manatee…. y sí, es bueno… si te gusta el género, aunque notas también algo que no logras descifrar en esta primera canción… que goza de gruñidos y cambios impactantes (recordando a varias bandas a lo largo del track, incluyendo a System Of A Down, por cierto, pero con un uso de rangos vocales impresionante, sin ser lo que más llame la atención), sonido muy americano y bueno…. debo seguir escuchando el disco.

El inicio a base de teclados y guitarra arpegiada de Kyla Cries Cologne con el clásico cambio a la estridencia de la guitarra distorsionada (pero con el piano atrás) y la entrada de la batería cambia mi percepción de la banda un poco. Sigue siendo nü metal, pero algo (quizá en los primeros versos de la voz, únicamente) me recordó a A Perfect Circle y la cosa se pone en extremo interesante, sin que éste sea el track más atractivo, pero los sentidos deben poner más atención.

El disco comienza entonces a usar sonidos y estilos de varias partes: de nuevo una voz a-la-Keenan al inicio en Vice/Versa, sonidos tranquilos que se violentan (se disfruta mucho la sección rítmica), voces y notas más dulces enmedio de los arranques de distorsión en The Wife, The Kids…, y así sucesivamente, sin quitar más que por algunos segundos en ciertos tracks la etiqueta de un nu metal bien elaborado con atisbos de lo que sea que hagan Tool o A Perfect Circle… indescifrable… (sino escuchen el intro de teclados de A Seafarer’s Knot).

El disco -en mi opinión- da un giro impresionante (y vaya que esto es un decir, porque a veces esto sucede no una sino varias veces en un mismo track) a partir de A Seafarer’s Knot, acercándose más y más a ese género sin nombre que ha alimentado Tool en los últimos años (y NO digo que suenen igual, aunque los haya producido el mismo Bottrill) y así se sigue con cosas que aparentemente pueden ser más tranquilas y que -en mi opinión- suenan más elaboradas.

Esto no se puede deber más que a una excelente ejecución de los músicos, una composición que se atreve a hacer de todo y todo funciona. Debo decir que los teclados juegan un papel importantísimo en la banda (y no porque sobresalgan, sino porque están puestos en el lugar adecuado en los momentos adecuados), que cuenta también con una base rítmica sólida, brutal -diría yo- si lo juntas con las guitarras.

Dicho lo anterior, pónganle atención a lo que sucede con Tall Tales… y el violín (¡excelente track! escuchen la guitarra), Upgrade Brigade (de nuevo la guitarra, pero ah que bién trabajan los teclados y ni que decir de el bajo y batería… aunque esto sucede en toooodo el disco) y por sobre todo a Say When y su larga introducción de teclados (uno de mis dos tracks favoritos del disco), solos de guitarra, un mood que envuelve y el final… mejor escúchenlo.

Fair To Midland muestra que las etiquetas son obsoletas y que la unión sensible, entusiasta e inteligente de influencias e ideas de los varios miembros de la banda pueden lograr frutos muy interesantes: todo se vale, si sabes lo que quieres hacer y tienes la habilidad para hacerlo.


Sympozion: Kundabuffer

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Sympozion
Kundabuffer
(Unicorn Records)
2006
[progressive rock]
Prod
: Udi Koorman
Site: http://www.sympozion.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/sympozion
Eval: 4/5
Art(e): Sarit Hayat

Tracks

  1. Patterns (3:34)
  2. Happy War Holiday (8:05)
  3. Bird (3:41)
  4. Grapefruit (8:48)
  5. Six (4:07)
  6. Zona (8:06)
  7. Too Much (4:53)
  8. Grapefruit Variations (10:54)

Músicos/Musicians

  • Arik Hayat – teclados + voz + flautas dulces
  • Elad Abraham – guitarra + flautas dulces
  • Ori Ben-Zvi – guitarras
  • Dan Carpman – bajo + voz
  • Boris Zilberstein – batería

con/with

  • Ilan Salem – flauta (1,3,4)

Reseña/Review

Sorpresivo… agradablemente progresivo, fué lo primero que se me vino a la mente al ponerle play al material de esta banda israelí. Sabía que existían bandas del país haciendo cosas buenas (ya había escuchado -en otro género- a Rockfour y se ve que se pueden hacer cosas interesantes en el país, habrá que estar más de cerca de la escena de Israel, en este caso, de Tel-Aviv).

Pues estamos ante una banda que trabaja un progresivo de corte, digamos clásico (aunque a estas alturas es peligroso tratar de discernirlo, sólo puedo decir que quienes gustan del género lo van a disfrutar) en donde nos vamos a encontrar tracks extensos (fuera de un par de tracks, prácticamente hablamos de tracks instrumentales) y otros no tanto, pero eso sí, con los cambios de ritmo distintivos del género (escuchen si no la imponente Grapefruit, toda una delicia con cambios de todo tipo, incluyendo algunos jazzeados gracias a la guitarra o bien la deliciosamente jazzeada Happy War Holiday), teclados manejados sino con el virtuosismo (¿o exageración?) de otras bandas, sí con todo puesto en su lugar, instrumentos que se siguen o que se contraponen en ritmos sincopados (de hecho la abridora Patterns parecen ser una oda a los mismos, mientras teclados y -de fondo- las flautas dan dos o tres suspiros por aquí y por allá, proporcionando un sello distintivo a la banda con un instrumento que me atrevería a decir que muchas otras bandas desprecian y que Hayat y Abraham hacen que un toque especial a su música. Escuchen Bird, por ejemplo), progresiones (en ocasiones heredadas de King Crimson, como en Grapefruit Variations y sus 11 minutos: el track final, EL TRACK, adicionando muchos tintes de jazz y que cierra con toda autoridad el álbum) y contrapuntos: vaya, lo que puedes encontrar, como dije, en varias de las bandas establecidas del progresivo.

¿Otro plus? Le llega el momento a Bird (uno de los que más disfruté) y las letras están cantadas ¡en hebreo! (al igual que en Zona, el otro track cantado) (escuchen el … ¡Gracias! Se escucha muy dulce y aunque todavía no encuentro las letras de las canciones, no le quita absolutamente nada a la experiencia de escucharles, claro, ayudados en mucho por las voces y las armonías que logran enmedio tanto de una ejecución que llena el espacio aural (varios instrumentos y varios de ellos buscando el unísono y muy buenas composiciones en donde se nota también una formación de jazz y la experiencia de una jam band).

Kudos para el trabajo de la sección rítmica, tan básica para que quien eliga el género para desarrollarse necesita: Carpman y Zilberstein lo hacen funcionar bien. De igual forma, como en toda banda progresiva, el trabajo -para que todo salga bien- es de todos y los demás músicos lo demuestran.

No puedo dejar de pedirles que pongan atención a Zona: las voces, teclados, sección rítmica pero sobre todo las guitarras… a lo largo de todo el track y especialmente en los últimos dos minutos del track…. ¡qué sabroso!

Un disco redondo que te recomendamos ampliamente para darte una oportunidad a “refrescar lo clásico”.

In The Labyrinth: Dryad

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In The Labyrinth
Dryad
(Record Heaven / TonArt Production)
2002
[progressive folk]
Prod: Peter Lindahl
Site: http://www.inthelabyrinth.com/
Tracks @ MySpace:
Eval:  4/5
Art(e): Peter Lindahl + Eva Källander + Håkan Almkvist

Tracks

  1. Lost In The Woods (2:40) [instrumental]
  2. Out Of This Maze (6:59)
  3. Catch A Cloud (7:04)
  4. Nargal (8:38)
  5. Dryad (The Spirit Of The Woods) (4:14)
  6. Trident (5:03)
  7. Jabberwocky (2:44) [instrumental]
  8. Muscarin Madness (4:54)
  9. Deep Saffron (6:07)
  10. Night Of The Baskerville Killer (6:41)
  11. Farewell Little Brother (4:27) [instrumental]

Músicos/Musicians

  • Peter Lindahl – flautas + mellotron + voz + guitarras eléctricas y acústicas + mandolina + viola da gamba + zither + saz + sampleos + efectos + percusión + bajo (7-9)
  • Håkan Almkvist – bajo + guitarra eléctrica + cítara + tabla + efectos + percusión
  • Fereidoun Nadimi – darbouka + daf
  • Helena Selander – voz
  • Kristina Fuentes – voz (coros) (3,8)
  • Micke Lövroth – violín (4)
  • Ismet Demirhan – mei + zurna (7)
  • Stefan Ottman – voz (narración) (9)

Reseña/Review

El proyecto de Peter Lindahl, In The Labyrinth, presenta su tercera entrega; sin haber escuchado los anteriores trabajos, aparentemente sigue una línea de mezclas o fusiones de sonidos étnicos con base en su natal Suecia, pero aderezado y matizado con sonidos del medio oriente principalmente: nótese el uso de instrumentos diversos a lo largo del disco.

El disco arranca con sonidos de guitarras acústicas, enmedio de campanadas con Lost In The Woods y -tal como me gusta- se van agregando instrumentos a medida que avanza el track y es cuando empiezas a observar lo curioso de la mezcla que Lindhal y la banda pretende… mientras las guitarras te mantienen en un fondo totalmente occidental, los sonidos de cítaras se manejan como si estuvieran en otro track oriental… y ambos sonidos están en el mismo track… ¡y funciona!

Out Of This Maze, sin embargo tiene un ambiente francamente de cercano y medio oriente, en su estructura, manejo de voces y coros (que se oyen muy bien sin ser una maravilla… se oyen adecuados) el uso -de nuevo- de cítaras, en este caso de darboukas aún y cuando creo que comienzan a aparecer otros instrumentos como el zither (supongo que es la verión sueca del instrumento) acompañando, al igual que la flauta de Lindahl y una viola ya en el minuto final del track que de nuevo te da una mezcla por demás intereante. Aquí alcancé a desconcertarme un poco al esperar más bien un disco más nórdico… el desconcierto es sólo eso, no es negativo. Tuve, sin embargo que hacerme a otra idea y -por lo mismo- darle más escuchadas al disco.

Catch  A Cloud entre percusiones y campanas, parecería comenzar nuevamente con un ritmo y estructura oriental, sin embargo cambia rápidamente a convertirse en un track más cercano al rock, con tintes de progresivo y lleno de pinceladas étnicas diversas provocadas por la variedad de instrumentos utilizados (difícil distinguir, cuando no lo acostumbras, los sonidos del saz de cuerdas turco, del zither y otros), los cambios y su último minuto y medio le agrega ese toque más de rock.

Voces tipo gregorianas (al menos con esa sensación) generadas por teclados son el arranque de Nargal, a las que le siguen un comienzo excelente de lo que percibo o bien la mandolina acompañada por un zither o bien la cítara atrás y con una mezcla impactante de sonidos de nuevo provocados por la variedad de instrumentos (nótese la tabla y la cítara, las campanas cerca del final del track y en fin todos los instrumentos que desfilan) en un track que no tiene nacionalidad y que funde muchos sonidos y geografías de forma realmente impresionante, aun y cuando casi se vuelve un track de New Age: de lo mejor del disco. Noten también la mandolina en el después de los cuatro minutos y su final a base de sonidos ambientales que dan pie y continuidad a Dryad, el track que inspiró el disco que arranca con ese ambient como si las mismas criaturas del bosque (esas dríadas que son espíritus femeninos de los árboles en la mitología) estuviesen tratando de elevar sus voces que a veces suenan más como lamentos, todo basado en teclados y flautas. La continuidad se mantiene mientras entra la cítara de nuevo en Trident, otro track con un mood más oriental y que junto con la tabla y resto de percusiones y efectos de plano te llevan del bosque al oasis (o desierto?). Todavía de forma ininterrumpida se pega otro track con reminiscencia oriental (gracias a la cítara) Jabberwocky, (otro ser mítico, nacido del poema de Lewis Carroll, del que se narra un fragmento… “Beware The Jabberwock, my son! The jaws that byte, the claws that catch! en forma por demás tenebrosa) y que a diferencia de lo que indicaría su título, al menos musicalmente sigue dándole sentido a lo que pasa en el disco…

Finalmente se rompe la continuidad con Muscarin Madness, un track más bien celta, muy occidental (¿es el zither?) entre campanas que comienza a acompañarse de más percusión (campanas) e instrumentos de cuerda, llegando a la cítara que orientaliza en espasmos al track, de nuevo logrando una excelente fusión hasta que aparece la suave voz de Lindahl, dandole el toque occidental al track, lleno de cuerdas que se mezclan entre sí.

Se une al track anterior de manera sutil, Deep Saffron, que con todo y las fusiones, arranca de alguna manera (el bajo y la guitarra quizá) más en tono de rock que otros tracks. Se unen flautas en un beat lento casi, pero sin llegar a ser letárgico, con influencias (sólo influencias) de Floyd, mientras una voz narra eventos enmedio de un ambient que crece y sirve de puente para un cambio hacia algo que de nuevo parece más material de New Age o el mal llamado World Music llenando de coros femeninos (lamentos quizá) con un toque oriental, cítaras y demás que hacen de este track otra delicia. Por cierto, el sonido a lo largo del álbum es bueno lo que permite disfrutar mejor toda esta experiencia.

Night Of The Baskerville Killer es EL track con más elementos de rock y de progresivo que alcanzo a percibir en el disco entre otros es quizá el que tiene más letra que otras, los motivos, las voces y los beats le dan lo necesario para considerarlo como tal. Un excelente track que hasta parece fuera de lugar enmedio de todo lo que se ha escuchado al momento, aunque a partir de la mitad del track vuelve a llenarse de todos los instrumentos que están mezclando a lo largo del álbum con un excelente resultado. A esta altura y con el mood que traía el disco, no puedo decir que sea mi track favorito, sin embargo sí destaca, quizá junto con Nargal.

Lindahl y la banda cierran todo con un track dedicado a su hermano Niklas con Farewell Little Brother, un track algo melancólico, lento, dramático y orquestado que quizá se parece más a lo que me había imaginado del disco completo, donde de nuevo los espíritus de la naturaleza en voz de Helena Selander salen a hacer oir su lamento y a despedirse de este interesante viaje…

Un disco que impacta -en mi caso porque no me lo esperaba- y que sí vale la pena… advierto: el progresivo se esboza y no es la base de este material que es más una fusión étnica… y sí, vale la pena.

Persephone’s Dream: Pyre Of Dreams

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Persephone’s Dream
Pyre Of Dreams
(Independiente)
2007 [05.12]
[gothic (progressive) rock]
Prod: Rowen Poole + DC Cooper
Site: http://persephonesdream.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/persephonedream
Eval: 4/5
Art(e): Audre

Tracks

  1. Thernody (7:08)
  2. Synesthesia (5:31)
  3. Nightfall (4:47)
  4. Cryptoendolith (1:34)

Temple In Time

  1. Mist (6:18)
  2. Nimiane (2:44)
  3. Soliloquy Of A King – King Arthur Mix (2:57)
  4. Camlann – King Arthur Mix (3:48)
  5. Avalon (7:14)
  1. Android Dreams (5:03)
  2. Aprhrodite (8:07)
  3. Alien Embassy (9:05)
  4. Soliloquy Of A King – Lady In The Lake Mix (2:57)
  5. Camlann – Lady In The Lake Mix (4:05)

Músicos/Musicianas

  • Rowen Poole – guitarras eléctricas y acústicas de 6,7 y 12 cuerdas, sintetizadores, teclados
  • John “JT” Tallent – percusiones, campanas, vientos, sonidos
  • Heidi Engel – voz
  • Kelly Fletcher – voz + percusión
  • Colleen Gray – voz
  • Jim Waugaman – teclados + órgano + piano + voz (coros)
  • Steven Hogue – batería acústica y eléctrica
  • John Lally – bajo (2,7-11)

con/with

  • Scot Harvey – batería (4)
  • Ed Wiancko – batería (8)
  • Chris Siegle – bajo (1,3,5,12)
  • DC Cooper – voz (7,8), coros (1,3,10,12)

Reseña/Review

Una banda que hemos seguido y apreciado desde que nos envió su segundo disco Moonspell allá cuando arrancábamos el programa de radio en 2000. Los de Pittsburgh nos envían su cuarto disco después de un largo letargo de 6 años. De hecho el disco comenzó a grabarse en 2002 y hasta llegar al resultado final, la banda sufrió cambios en su roster. Valió la pena esperar.

Aunque el sonido sigue siendo reconocible a pesar del cambio de voces, la banda se vuelca a un rock pesado a veces, maduro en casi todo el disco, y con toques de progresivo por todos lados, con un mood oscuro como en en el disco anterior.

Todo el disco es bueno, como nos han acostumbrado. Qué lástima que no salgan más discos de la banda. El sonido igualmente bueno: bien producido y mezclado. Se notan todos y cada uno de los instrumentos, los teclados más en su lugar a pesar de ser más, la mezcla los termina de ubicar en su justo nivel… y es el instrumento que en algunos tracks le llega a quitar el tono progresivo y al mismo tiempo es el que en otros se lo da. El trabajo de la sección rítimica y la mezcla para la misma es sobresaliente. El artwork en la línea de Opposition. Pero vamos -por primera vez- a disectar su entrega:

El disco arraca oscurísimo, con una Threnody con sonidos saturados y voces en off mientras adquiere un tono casi pop (con lo que creí que continuaba lo entregado en Opposition, y sí, pero con un giro que comentaremos después). Tres voces femeninas ayudan bastante a lo largo del disco, le dan una nueva profundidad a lo que hace la banda. Hasta aquí parece difícil pensar que han pasado 6 años desde la última entrega.

Llega Synesthesia, con su ataque violentamente metálico en las guitarras y sección rítmica del inicio y las cosas aunque mantienen de alguna manera el sonido de la banda, comienzan a cambiar un poco… la banda se oye más maduro definitivamente y lo impresionante es que han mejorado (como en cada disco) su sonido. Un track energético y donde los coros hacen una diferencia. Noten los teclados a lo largo de todo el track.

Nightfall, oscurísimo como el título tranquiliza (si es que se puede decir esto) un poco el dinamismo del track anterior, me dejo llevar entre uno y otro track, aunque a medio track las guitarras atacan con su distorsión mientras los coros crecen y crecen.

Vienen las percusiones y ritmos con Cryptoendolith, un track minúsculo que rescata el experimento de Earth Dreams de Moonspell. Te quedas ganas de más.

Llega la suite arturiana de Temple In Time: fabulosa con sus 5 movimientos, entrando por la niebla que envuelve y esconde a la isla de Avalon (Mist). Un track más rockero que progresivo, apunten el trabajo del bajo y los teclados que utiliza de puente el viaje por el lago que rodea la isla, con sus sonidos de remos y mareas (Nimiane), con un sonido ahora sí más celta (gracias a los teclados), mientras se nos narra más que se nos canta en un track más ambiente que otra cosa, para dar paso al soliloquio del Arturo (Soliloquy Of A King) donde la voz masculina hace su entrada, narrando la vida y tragedia del rey Pendragon, que busca su fuerza en el dragón, en un track donde la guitarra muy al fondo es más rock, más dura… y que deja pasar a otro momento ambiental en Camlann, nuevamente narrándonos el final de la era y del rey cuya pira funeraria es encendida por el aliento del dragón: un track que arranca -como dije- ambiental pero termina a base de guitarra, pianos y bajos en un excelente rock de voz masculina que se agradece y mucho para manejar variedad en el disco. ¡Excelente!, finalizando con la isla (Avalon): noten el bajo del comienzo entre la guitarra arpegiada que se aparece a lo largo del track, además de los cambios y coros (especialmente el cambio alrededor de los 4:15 minutos).  Una historia narrada en 24 minutos extraordinarios.

La banda nos lleva ahora al futuro, al sueño de los androides en este track que realmente cambia el tono y sí parece Dickiano. Un track llenísimo de efectos y sintetizadores, saturado de los mismos diría yo… y con un resultado muy bueno en Android Dreams.

El sonido electrónico continúa en Aphrodite, aunque la introducción sintetizada mientras entra la sección rítmica y varios sonidos de fondo, desaparece poco a poco, para que la voz femenina arranque con una especie de grito ahogado, otro track lleno de cambios, dandole las credenciales para que la banda pueda calificarse de progresiva (en este disco siento que lo es menos que en otros y en este caso, lo digo para bien a pesar de gustarme el género, puesto que la banda y Rowen Poole comienzan a mantener un sonido característico).

Alien Embassy con sus 9 minutos es una odisea llena de detalles sónicos a cargo de las percusiones, se oyen excelente y nos lleva creciendo desde la pura percusión + guitarra (con los sempiternos teclados al fondo) en letargo a una más rápida secuencia iniciada por el bajo que llega a un “silencio” que regresa al sonido del bajo para ir creciendo en base a coros y guitarra acompañada por un excelente trabajo en la batería.

El disco termina con dos versiones de Soliloquy y Camlann. La primera se oye un poco más electrónica sin los sonidos de ambiente iniciales mientras en la segunda los cambios son menos perceptibles.

Un buen disco, bueno en serio. Esperemos que la banda siga produciendo, muchos lo agradeceremos.

Revisar también / See also

Beardfish: Sleeping In Traffic Part One

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Beardfish
Sleeeping In Traffic: Part One
(InsideOut Music)
2007 [05.21]
[progressive rock]
Prod
:
Site: http://www.beardfish.argh.se/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/beardfishband
Eval: 5/5
Art(e):

Tracks

  1. On The Verge Of Sanity… (0:47)
  2. Sunrise (7:54)
  3. Afternoon Conversation (3:42)
  4. And Never Know (5:59)
  5. Roulette (12:07) [mp3 clip IO]
  6. Dark Poet (3:24)
  7. Harmony (7:21)
  8. The Ungodly Slob (6:42) [mp3 clip IO]
  9. Year Of The Knife (7:28)
  10. Without You (2:39)
  11. Same Old Song (Sunset) (7:51)

Músicos/Musicians

  • Robert Hansen – bajo
  • Magnus Östgren – batería + percusión
  • Rikard Sjöblom – voz + teclados + guitarras + acordeón + percusión
  • David Zackrisson – guitarras acústicas y eléctricas

Reseña/Review

Después de Sane Day, el fabuloso disco doble que estos jóvenes músicos entregaron en 2005, ahora de la mano de InsideOut, Beardfish vuelve al ataque con Sleeping In Traffic: Part One (quizá hubiese sido interesante pensar en una segunda parte para otro disco doble, quizá es mucho, quién sabe…, lo cierto es que la segunda parte está en camino): La banda no defrauda y sigue con su revival (que no copia) del progresivo de los 70’s lleno de teclados y con una frescura (a pesar de ser un revival, escúchenlos y me comprenderán) impactante…

El disco arranca con el corto intro de On The Verge Of Sanity… con ese acordeón que ya anuncia el retro, que te hace caminar por una oscura calle europea, que es extraño y melancólico a la vez, para dar paso a la gradilocuente (los teclados iniciales lo dicen todo) Sunrise, llena de pasajes psicodélico-progresivos por todos lados, hasta que la voz, que se escucha cristalina y madura, sin ser un portento, pero que entrega lo que a veces queremos escuchar, honestidad de estar haciendo lo que les gusta. Todo en un tono oscurecido respecto a The Sane Day, que -para mí- funciona como un cambio, pero que espero que la banda pueda manejar para no mantenerlo como una constante en subsecuentes discos.

Afternoon Conversation, más suave sin por ello más disftutable y compleja se convierte en un “corto” oasis que se agradece.

Una And Never Know, más agresiva, más hard (quizá la más) se introduce como un cambio necesario al oido, mientras se va convirtiendo en una amalgama de psicodelia muy bien lograda, atmósferas a base de teclados, mientras batería, bajo y guitarras a paso marcial se unen y rompen filas en los tiempos correctos. Arreglos vocales un par de minutos antes del final acompañan los esfuerzos de Sjöblom en la voz, llevados a extremos en este track.

Aquí debemos hacer un pequeño alto, tomar una bocanada de aire y preparte para la joya del disco: los 12 minutos de Roulette. No por el tiempo que dura, sino por cómo se logra aprovechar el mismo para contar con un track épico para el progresivo en general. Los cambios, los pasajes suaves teclado-guitarra, las entradas de la batería (casi militares), el bajo y su low-profile que se convierte en un jugador principal. La voz, que de nuevo suena extremadamente madura, casi setentera Greg Lake en sus mejores tiempos, pasajes en que todo se convierte en un esfuerzo vocal/musical del que Frank Zappa podría sentirse orgulloso…. el manejo de motifs en todo el track. Nota especial al acordeón y lo que genera a lo largo de la canción. Una belleza, este track de plano es la diferencia cuando quieres evaluar el disco (inusualmente llevo dos calificaciones perfectas en este año, ésta es la segunda, tras no haber repartido más que unos cuantos en los últimos 7 años).

Después del anterior track, el cerebro no da para más… de veras que las primeras dos o tres escuchadas me quedé hasta aquí, repitiendo varias veces Roulette… impresionante, pero el review requeire que sigas asi es que seguimos: Dark Poet una corta canción a base de piano y voz es también una delicia del progresivo…. solo eso se necesita (y unas cuantas guitarras acúsiticas y con efectos). Para los detractores del género o los temerosos o los novatos, aquí puedes entender el progresivo sin que haya complejidad, sin que haya parafernalia y pirotecnia. Escuchen este track. “Your voice is fading in the echoes of a song you won’t sang”.

Regresan los teclados a protagonizar Harmony, donde escucharás un sinfín de bandas hasta que el ritmo baja a casi un blues (con todo y coros) jazzeado… que te hace sentir en un bar lleno de humo de cigarro por momentos. Buen track.

The Ungodly Slob tiene un cambio que atribuyo a que no escuchas al inicio teclados… un arranque totalmente acústico que cambia bruscamente para entrar a la parte del prog-funky-psicodélico. Excelente track repleto de cambios que la banda trabaja de forma coherente aunque a veces bruscos. El ejercicio es mucho muy bueno, lo que pasa en los últimos dos minutos es una algarabía y me dió la sensación de un cariño por varias bandas y por la buena música en general. Escuchen el bajo a lo largo del track.

Year Of The Knife, buenísima, medio psicodélica, toques funk (muy a lo lejos y con mucha imaginación). Lleno de energía, este track trae a la mente de repente a ELP, de repente a Gentle Giant, y quizá a otras bandas. De veras que esta banda me despierta una alegría porque te das cuenta que se puede volver a hacer esa música que se a finales de los 70’s y lo pueden y saben hacer bien. La sensacion que da este track es ésa: la alegría de este re-encuentro con el arte perdido.

El disco continúa con la que quizá (o al menos de momento) es mi segunda favorita en el disco: Without You, otro track corto, “simple”, acústico y no por ello menos progresivo. Guitarras acústicas y voz: un agasajo.

Beardfish cierra bien con Same Old Song haciendo lo que aparentemente les gusta más hacer… un buen y extenso progresivo (casi 8 minutos en esta ocasión), aunque en esta ocasión, el tono es bastante suave, menos bombástico, menos agresivo y en varios momentos jazzeado, claro hasta que llegas al minuto 5 y arranca su crescendo (de nuevo un poco oscuro) en el que se mantiene y al que sólo le hace un fade out…. buen disco, buen competidor a lo mejor en este año que está pintando cada vez mejor.

A lo largo del disco recordarás a Zappa, sentirás a Gentle Giant (influencias declaradas de la banda), escucharás a Greg Lake (y por ende te sentirás dentro de un track de ELP) o quizá hasta a Genesis, pero no te engañes, escucha bien y comenzarás a entender lo que Beardfish y su música están haciendo: un buen progresivo que más que nostálgico es esperanzador.

Tuve que adquirir la musica de mi proveedor para downloads en internet (oficial y legal, por supuesto), no podía esperar a escuchar a la banda. Espero que sí llegue el medio para revisar con más detenimiento booklet e info adicional. De existir la agregaremos.

Porcupine Tree: Fear Of A Blank Planet

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Porcupine Tree
Fear Of A Blank Planet
(Roadrunner/Atlantic)
2007 [04.23, 04.16 UK]
[hard progressive psych rock]
Prod
: Porcupine Tree
Site: http://www.porcupinetree.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/porcupinetree
Eval: 5/5
Art(e): Carl Glover (Aleph) + Lasse Hoile (foto)

Tracks

  1. Fear Of A Blank Planet (7:28)
  2. My Ashes (5:07)
  3. Anesthesize (17:42)
  4. Sentimental (5:26)
  5. Way Out Of Here (7:37)
  6. Sleep Together (7:28)

Músicos/Musicians

  • Steven Wilson – voz + guitarras
  • Richard Barbieri – teclados
  • Colin Edwin – bajo
  • Gavin Harrison – batería

con/with

  • Alex Lifeson – guitarra (solo) (3)
  • Robert Fripp – soundscapes (5)
  • John Wesley – voz (coros)

Reseña/Review


by Ciro Velázquez

Steven Wilson la vuelve a hacer… es una máquina de música en todo el sentido de la palabra, no conforme con el tiempo dedicado en Israel a Blackfield, para el Blackfield II, termina con Porcupine Tree el noveno disco de estudio de la banda y ¡de qué forma!. Hace unas semanas comentábamos en el programa de radio que estaba haciendo falta ese disco matón, el killer CD que perfilase para disco del año sin discusiones: helo aquí. y todavía no estamos ni a la mitad del año. El resto de las bandas tendrán que esforzarse… y mucho.

Todo está en su lugar, en un concepto que amalgama de todo y lo hace de forma casi orgánica entre Wilson, la banda completa como grupo y lo que se hace desde la composición, arreglos y hasta el sonido… ¡vaya! (y eso que no tengo la versión de 5.1 canales, que pronto tendré… ja!).

El disco arranca con el track homónimo a esta entrega: guitarras arpegiadas, un bajo que le da un tono oscurísimo al arranque del disco mientras entra la batería (qué buen trabajo de Harrison… desde In Absentia ha sido parte importante del mood de los Porcs). Con voces distorsionadas entre el In Absentia y Deadwing… algo de hard, sin serlo (las guitarras y la base rítmica haciendo un trabajo ágil, rápido, agresivo) al estilo del ya comentado In Absentia… y con los cambios característicos ya de la banda de una canción “tranquila” hacia la contundencia de los músicos…en riffs duros, hards… de hecho la sensación es muy parecida a In Absentia, el impacto es bueno, cosa que no me sucedió igual con Deadwing (que es un excelente disco también).

My Ashes, cambia el mood a algo más tranquilo… dreamer… acompañado de teclazos al piano bien colocados en tiempo por aquí y por allá… arreglos de cuerdas por todos lados en este corto pero excelente track, que te lleva al lado psíquico (que no psicodélico) de la banda, ese que te deja aturdido hasta el cerebelo, sobre todo porque sabes que lo que sigue es una nueva sorpresa….

¡Y vaya sorpresa! Anesthesize puede ser el mejor track del año… El arranque de Harrison en los tambores, mientras los teclados dulces y triángulos y percusiones adornan el inicio de los casi 18 minutos de éxtasis de este inolvidable track. Un track muy tranquilo durante los primeros 4 minutos después de los cuales entra un requinto de guitarra que anuncia el primer cambio… sonidos en off… para que un minuto después, los graves en la guitarra distorsionada, bajo y batería (y el excelente teclado al fondo) te vayan preparando mentalmente … y esperas … y esperas (como otro Voyage 34)… y comienza el ansia… y qué buena la batería… y qué buenos los arreglos… cuando más de un minuto después arranca el hard… el casi metal de varios tracks de los Porc… y te regresan al loop… continúa el ritmo… puro ritmo…. la voz frágil de Wilson que cómo combina bien con lo que hay atrás… ya estamos acostumbrados y la combinación funciona y la combinación no te permite decir que sea hard, que sea metal, Porcupine Tree hace su música como pocas bandas pueden decirlo… haciendo lo que los demás no pueden hacer… Acercándote al minuto 10 un pequeño crescendo… que anuncia que viene otro cambio, otro cambio que se da y para bien… atención al minuto 11… ahora si, durante un minuto el hard se hace presente pero de una manera natural, y el cambio es drástico… qué track!! Sigue un breve impasse… viene otro cambio… una círculo de voces… lento, dreamy, sublime y todo después de ese hard impresionante… psych es la palabra. Este track hace honor a su nombre… esto llega al cerebro, casi sin pasar por el oído… todo lo demás está anestesiado y el proceso se da a lo largo de todo el track casi sin que lo notes. Sí, los Porcs saben hacerlo: juegan con tu psique.

Anesthesize debió haber sido el último track. Difícil poner atención después de lo que acaba de pasar y, sin embargo, Sentimental también es capaz de tocar fibras con su piano lento que crece acompañándose por la base rítmica… el track lento, el track suave del disco, ecos, sonidos electrónicos por aquí y por allá…. bonito track.

Way Out Of Here y la voz quebradiza de Wilson casi susurrando en el inicio de este track que tiene sus cambios más agresivos, dejando esa sensación que sabe dejar muy bien la banda.

El disco se despide con un Sleep Together, que arranca suave pero energético a base de la batería y las atmósferas en el fondo, a medida que se prepara para despegar, lo que hace casi dos minutos después al nuevamente distorsionar la voz y agregar volumen a la distorsión de la guitarra y al bajo, mientras los teclados en el fondo crecen y crecen. ¡Qué buen bajo!

Pocas bandas crean su propio género. Vaya que Porcupine Tree ha navegado por varios estilos definiendo el suyo propio. Se están volviendo inconfundibles.

Es muy posible que este release ensombrezca el otro que espero tener por estos días con Marillion y su Somewhere Else (malas críticas) e incluso a Rush y Snakes & Arrows … Insisto, difícil la tienen las otras bandas. No te lo pierdas… es el disco matón del año… no hay lugar a dudas… no le pienses, haznos caso!!


by Jesús Díaz

No cabe duda que el Sr. Steven Wilson es un genio. Es prolífico, ayudando aquí, produciendo acá, colaborando en este otro lugar. Pero su principal proyecto es Porcupine Tree y se agradece sobre manera que no lo descuida en lo absoluto.Tenemos ahora Fear Of A Blank Planet, la última maqueta de la banda inglesa y es un portento de disco, total y absolutamente redondo.

Fear Of A Blank Planet. Un intro largo de guitarras arpegiadas y teclados atmosféricos hasta que entra la bateria (ojo, este instrumento juega un papel importante a lo largo del disco). Voces procesadas, rasgueos fuertes de guitarra (sin llegar a decibeles metálicos) hasta llegar a los inconfundibles y característicos coros que hacen la música de esta banda tan convincente y a la vez accesible. Un buen comienzo, pero solo un pequeño atisbo de lo que está por venir.

My Ashes. Una canción suave, melancólica, algo así como el Lazarus de este disco. El inicio con un piano rhodes nos recuerda por momentos a No Quarter de Zeppelin. Estoy seguro que este mismo intro es el que usan al abrir los créditos de su reciente DVD en vivo. Aparece en breve una voz susurrante, nítida con tímidos rasgueos de guitarra acústica, misma que al llegar al coro se funde con cuerdas (creo que es la primera vez que las usan). La melodía es hermosa y estarás por días repitiéndola en alguna parte de tu subconsciente, que parece ser es el área donde mejor trabaja la música de Porcupine Tree.

Anesthesize. Desde Sky Moves Sideways la banda no escribía un track de más de 15 minutos y no podían haber escogido momento mejor. No podrían haber escrito un track mejor, de hecho. De nuevo, Gavin Harrison hace todo un despliegue de buen gusto con las percusiones – siempre en primer plano – al inicio de la canción, donde aparece otra (si otra) bella melodía que aunque es simple parece contrastar con todo lo que pasa tras bambalinas. Entonces, alrededor del minuto 4 transcurrido aparece un contundente solo de guitarra cortesía de Alex Lifeson de Rush que termina por despejar las dudas (si algun ingenuo todavía las tenía) de que estamos frente una canción de esas que solo se escriben cada cierto número de años. Ritmos sincopados, con todos los instrumentos jugando un papel importante, a tiempos distintos creando una tapiz sónico indescriptible. De repente, la guitarra toma el control, con los riffs mas fuertes quizás de todo el disco creando un ritmo que desafiaría al más estoico de todos, al alma más impávida y gélida del planeta a no llevar el ritmo con la cabeza. Un mellotron suave de fondo, casi imperceptible da pie a la voz siempre bienvenida de Steve que gime “the dust in my soul makes me feel awake in my legs”. Wow…y apenas vamos a la mitad de la canción. Entrando al minuto 11 estamos ante la evidente fascinación del Sr. Wilson por los ritmos acitronados de Tool/Opeth/Meshugah y demás bandas de metal cerebral y es aquí donde no aguanto más y me paro a hacer mi obligado headbanging. Temo decir dura solo un breve tiempo porque pareciera que es en este momento que se disipa la tormenta (¿o que entras al vórtice del huracán?) y aparece un remanzo, con un pasaje lento que nos lleva de la mano, sedándonos hasta el final. Es así como termina la mejor canción que haya escrito Porcupine Tree en sus casi 25 años de existencia.

Sentimental. Track atmosférico, que bien podría haberse desprendido de Stupid Dream o de Lightbulb Sun. Caray, no sé cuántas veces voy a decir esto, pero va de nuevo: aparece oooootra bonita melodía en el coro, con suaves arpegios de piano. El cuerpo agradece este tipo de descansos después de que ha sido expuesto a tareas demandantes con fue el escuchar el track anterior.

Way Out Of Here. Otra participación de lujo tenemos aquí con el Señor Robert Fripp de King Crimson imprimiendo su sello con sus tradicionales soundscapes. Como es de esperarse estamos ante el corte más obscuro, menos inmediato pero no por eso menos reconfortante del disco. Por última ocasión, aparece algun rasgueo metálico de guitarra sólo para no dejarnos olvidar de quién se trata.

Sleep Together. Para cerrar el disco (si, todo tiene un fin…sniff!) la banda escoge este tema, también obscuro y con muchas atmósferas, loops y cuerdas. Richard Barbieri en los teclados y efectos electrónicos se pone a par con Colin Edwin en el bajo para hacer evidente que no son solo acompañantes sino piezas fundamentales en el sonido de los porcs.

Y así, sin más, se me caen las lágrimas al terminar de escuchar semejante obra de arte. Creo yo un disco mayor no solo en la discografía de la banda ni en el panteón de los grupos progresivos, sino del rock en general. Un disco por el cual muchos otros serán medidos cuando el tiempo llegue.